Categoría: Música en general

12. Música China; “Pagodas”

La música folklórica de China tiene una larga historia y tradición. En la sociedad tribal primitiva de hace 4000-5000 años, aparecieron danzas y cantos primitivos. Al llegar a la época de dominación esclavista de las dinastías Yin y Zhou, la cultura musical ya era bastante desarrollada. En la sociedad feudal que duró más de 2000 años, la música logró un desarrollo continuo. En la historia china hubo varias épocas de prosperidad de la cultura musical. La Taoxun, (ocarina de terracota), el pitar de hueso y el Shiqing (carillón de piedra) en la remota antigüedad, el Bianzhong (juego de campanas de bronce) del Período de Primavera y Otoño y el Período de los Reinos Combatientes, Ruanxian (instrumento musical de cuerda) de la dinastía Han, así como los instrumentos musicales más usuales en la actualidad como Pipa y Guzheng (instrumentos musicales de cuerda) testimonian su desarrollo. La música folklórica de China forma parte importante de la cultura tradicional de la nación china, que refleja el espíritu, el sentimiento, la voluntad, la fuerza, las ilusiones y la búsqueda de la nación china. Está compuesta fundamentalmente por cuatro partes: música del corte, música de hombres de letra, música religiosa y música popular. En la época contemporánea, la música folklórica de China se ha divulgado a Europa, Estados Unidos y Australia, convirtiéndose poco a poco en un puente y nexo para el intercambio cultural entre China y los países extranjeros.

A continuación tenéis el tema que vamos a tocar.

Pagodas

Primero os dejo el acompañamiento: Pagodas sin flauta

También lo tenéis con la flauta (Pagodas con flauta)

También en versión de video con sugerentes imágenes de la cultura China.

20. La música disco.

La música disco es un tipo de música de baile derivada del R&B (Rhythm & Blues), que mezcló elementos de géneros anteriores como el funk y el soul, con toques latinos en muchos casos, y que se popularizó en las salas de baile (discotecas) a finales de los setenta. Las canciones disco normalmente estaban estructuradas sobre un repetitivo compás de 4/4. Son fácilmente reconocibles por sus ritmos repetitivos y pegadizos lo que favorece el que sean atracivas para ser bailadas.

El sonido de las orquestas o bandas usualmente conocido como sonido disco se fundamentaba en la presencia de secciones de cuerda y metales, tras la base instrumental formada por el piano eléctrico y la guitarra eléctrica. El resultado era una especie de muro de sonido, brillante, con los grupos orquestales tomando los papeles solistas .

La música disco tiene su etapa de mayor proyección en la decada comprendida entre 1973 y 1983, aproximadamente, con un revival en los años 90.

Precisamente hacia la mitad de los setenta, obtuvieron sus principales éxitos los intérpretes más característicos de la música disco, como Donna Summer, The Jackson Five, Gloria Gaynor, Barry White, The Bee Gees, KC and The Sunshine Band, Village People, Boney M o ABBA. Otros muchos artistas que normalmente, no trabajaban el género grabaron canciones disco en la cima de su popularidad, como por ejemplo Leo Sayer, Rod Stewart, Electric Light Orchestra y Blondie .

Diversas películas, como “Fiebre del sábado noche” y “¡Por fin es viernes!”, contribuyeron al despegue de la música disco entre el público. Aunque la popularidad de la música disco declinó a comienzo de los años 80, mantuvo una importante influencia en el desarrollo de la música de baile electrónica de los años 80 y 90, así como en géneros como el House o el Tecno.

El fenómeno de las discotecas triunfó en todo el mundo y también en Burgos pudimos disfrutar en los 80 de varias Discotecas que nos han dejado recuerdos de una época en la que triunfaban los pantalones de campana y los cardados. Tal vez podamos compartir músicas y recuerdos entre todos en esta entrada. Es un buen momento para que padres/madres e hijos/as podáis compartir historias que nos hagan recordar a unos y poder transmitir a los otros que supimos disfrutar de la música de baile hace unos años, bueno decadas.  Espero vuestros comentarios especialmente cargadas de recuerdos y canciones.

(Más información sobre la música de discoteca en http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_disco#Espa.C3.B1a)

      Gloria Gaynor edita su primer disco Never Can Say Goodbye (1975), siendo la primer artista que incluye los Medley, temas unidos que automáticamente pasan al siguiente, método usado hasta hoy en día por los Pinchadiscos como enganchados. En este año fue nombrada Reina de la Música Disco, motivo por el cual recibió un trofeo consistente en una corona, por la asociación de Pinchadiscos. Sus discos eran los más populares y marcaron el inicio de la era Disco. Tres de sus canciones más conocidas son I will survive (1979), Never can say goodbye (1974) y I am what I am. En 1973, Gaynor hizo historia: “Never Can Say Good Bye” consiguió el puesto número 1 en las listas y se convirtió en la primer canción de Música Disco que alcanzaba ese puesto. Un auténtico viaje en el tiempo…

El tema principal de la película “Saturday night fever” en el video promocional de sus interpretes los Bee Gees (Stayin´Alive).

Interesante compilación de imágenes de la meca de las Discotecas en Nueva York: “Studio 54” acompañada de otras de distintos grupos y un texto de resumen muy claro sobre este estilo de música.

La Banda Kool & The Gang en uno de sus grandes éxitos. Notas como se te van los pies….

Otro interprete clásico de los años 70 Leo Sayer. El falsete en su máxima expresión. Este recurso es uno de los recursos mas utilizados por este estilo de música.

Permitidme una debilidad personal: Electric Light Orchestra. Una banda con abundantes recursos tecnológicos musicales en la que uno de sus rasgos identificativos era la presencia habitual de una sección de cuerda frotada (sintetizador) que la hizo llamarse a también como la “Banda de los mil violines”. Aunque son muchos los temas que me gustan este fue uno de sus grandes éxitos “Last Train to London” de 1979. 

It was 9-29, 9-29 back street big city
The sun was going' down, there was music all around
It felt so right.
It was one of those nights,
One of those nights when you feel the world stop turning,
You were standing there, there was music in the air
I should have been away, but i knew i'd have to stay.
Last train to london, just heading out,
Last train to london, just leaving town.
But i really want tonight to last forever
I really wanna be with you.
Let the music play on down the line tonight.
It was one of those nights,
One of those nights when you feel the fire is burning,
Everybody was there, everybody to share, it felt so right.
There you were on your own,
Looking like you were the only one around,
I had to be with you, nothing else that i could do,
I should have been away, but i knew i'd have to say.
(chorus) solo: em bm am bm em
Underneath a starry sky,
Time was still but hours must really have rushed by,
I didn't realize, but love was in your eyes
I really should have gone, but love went on and on...
(chorus)

23. La Ópera Barroca (Extractos)

Como complemento a lo visto hasta ahora dentro del tema del Barroco me gustaría dejaros algunos fragmentos interesantes de óperas que conozco y que me impresionan vivamente.

“Dido y Eneas” de Henry Purcell (1659-1695)

Una de las óperas más importantes del Barroco, considerada además como la primera ópera nacional inglesa.

Su argumento relata la historia de amor extraída de la Eneida de Virgilio, sobre la legendaria reina de Dido de Cartago, y el refugiado heroe troyano Eneas. Cuando Eneas y su tropa naufragan en Cartago, él y la reina se enamoran. Pero, por envidia a Dido Las Brujas,que tenían absoluta y total odio por Dido, se confabulan y le hacen creer al héroe que debe partir y que su destino es refundar la nueva Troya (La que será futura Roma). Dido, se lamenta ya que no puede vivir sin su amor, sin embargo, cuando Eneas decide quedarse, ella lo rechaza, y se deja morir.

Vamos a asistir a la escena final, el famoso lamento de Dido: When I am laid in earth (“Cuando yazca bajo la tierra”), una de las arias más conmovedora de toda la ópera, considerada hoy en día como una de las mejores de la historia de la música. Al canto fúnebre le precede un recitativo que retrata a la moribunda Dido, y sirve de preparación a su lamento, el cual se encuentra en modo menor y continúa siendo fiel a la tradición de la ópera italiana de construir este tipo de arias mediante el apoyo de un bajo ostinato y se “desliza” mediante cromatismos. Este bajo ostinato es el resultado de un esquema de cinco compases que se repite nueve veces.

El coro final, With drooping wings (“Con alas caídas”), posee una profundidad absoluta del color elegíaco, sentimiento apoyado y descrito por la sugerencia musical de “alas caídas de los cupidos” mediante el uso de escalas menores descendentes y por las impresionantes pausas después de las palabras “never part” (“nunca te separes”).

Tienes también el enlace de la partitura para poder disfrutar de manera completa de esta parte final, intensa y apasionada. Tal vez una buena opción sea la de primero ver el video y posteriormente seguir la partitura con la música del video. A elegir.

http://www.johnkilpatrick.co.uk/music/misc/Dido-score.pdf

Aria”Erbarme dich mein gott” de La Pasión Según San Mateo de J. S. Bach BW244 (1729)

“Ten Piedad de mi, Dios mío” es la declamación constante que entona la solista (Marilyn Horne) de este aria  embriagadora en este fastuoso Oratorio barroco.  Una página absolutamente magistral del Maestro de Leipzig que, sin haber practicado el lenguaje operístico, consigue cotas de emotividad y de “verdad” increibles.

El violín con el sustento del continuo y la orquesta nos introduce en un ambiente de recogimiento y de emoción contenida. Los ataques y los melismas de cada final de frase ejecutados con maestría por el violín nos guían hasta la aparición de la voz de la contralto que pone palabras al sentimiento ya ofrecido por los instrumentos. Se inicia la plegaria. Voz y violín con el apoyo tímido y rítmico del basso van transmitiendonos a su manera el profundo sentimiento de rezo y petición humilde del hombre que se sabe limitado y que se empequeñece ante su creador y guía.  En un mundo envuelto en las brumas de la desesperanza Dios es aún la tabla de salvación de los dolientes. Aún pedimos su piedad.

Viento y percusión contra cuerdas

Resulta muy conocida la sana rivalidad que se produce en las orquestas entre las secciones de cuerda y las de viento – percusión. Este antagonismo creativo ha dado infinidad de páginas interesantes a lo largo de la Historia de la música.
La cuerda como buen represenante del Dios Apolo, que se acompañaba en sus cantos con la cítara, viene a representar la faceta más intelectual y reflexiva.  La cuerda (Especialmente la familia de cuerda frotada en la orquesta) representa el triunfo de las ideas musicales a través de su mas alta representación: la melodía. Viento y percusión como herederos de la tradición Dionisiaca (Dionisos-Baco), vienen a reflejar los instintos más primitivos del hombre a través de su fuerza y potencia.

Toda la historia del arte y la cultura humana  juegan con ese eterno dualismo que ha sido una constante en la interpretación filosofica de la cultura y del arte.

Me ha parecido muy simpático y sugerente en relación a esta idea expuesta este corto de animación de Pixar que invito a que disfrutéis.

Ah…por cierto..¿Quién gana al final?